TESSIER GALLERY

Qu’est-ce que le tsutsugaki [筒描] ? Avant d’être un tissu japonais, c’est avant tout une technique. Le tsutsugaki (de tsutsu, « tube » et de gaki, « dessin ») désigne une technique japonaise de teinture à l’indigo accompagnée de décors réalisés par réserve à la pâte de riz.

Le musée Guimet est le premier musée occidental à proposer une exposition retraçant cette technique. Dans une scénographie de qualité, les conservateurs ont su jouer des couleurs, et des trois dimensions, mention spéciale pour la rotonde décorée de Nobori des 10m de haut traversés par une brise légère.

À l’image de l’art de l’estampe, le tsutsugaki est un art populaire qui relève à la fois du dessin et de la teinture, résultat d’un processus de création complexe qui fait appel à plusieurs savoir-faire conjoints (le dessinateur, l’artisan et le teinturier). Né à l’époque de Muromachi (1337-1573), le tsutsugaki a connu son apogée au cours de l’époque d’Edo (1603-1868). Les kimonos [着物] et yukata [浴衣] réalisés grâce à cette technique sont des habits de travail. Même si l’indigo n’est pas bon marché au japon, cette couleur est très peu chère face à la broderie. De plus l’indigo a la particularité de se maintenir sans mordant, c’est pourquoi il fut très utilisé pour les emplois salissant ou usant. Que ce soit les pompiers, les pêcheurs, les dockers ou certains manutentionnaires, tous portés les tsutsugaki aux motifs protecteurs. Cette spécificité explique pourquoi ces vêtements sont rares dans les collections muséales contemporaines. En effet les habits ont souvent disparu car trop usés. L’origine laborieuse de ces vêtements explique aussi pourquoi les premières collectionneurs du Japon en France que ce soit Auguste Lesouëf (1829-1906), Léon de Rosny (1837-1914) ou Samuel Bing (1838-1905) n’ont pas acheté ce type de travaux. Ces deux raisons expliquent pourquoi ces œuvres artisanales sont si rares dans les collections privées anciennes.

Les motifs des tsutsugaki diffèrent selon les régions. Au nord-est du Japon les motifs de singes prédominent, tandis qu’à Kyûshû, au sud-est de l’archipel, le shishi (lion japonais) et le dragon s’imposent dans des coloris particulièrement vifs et éclatants.

Un rare tsutsugaki qui a appartenu à Léonard Foujita (1886-1959) met en évidence l’aspect réinventé de cette technique. Il a su appliqué son vocabulaire artistique à cette technique pluri centenaire. La collection Riboud conservée au musée Guimet, témoigne de l’audace des décors et de la vivacité des couleurs, qui font de ces textiles d’authentiques œuvres d’art, empreintes de force et de sagesse populaire.

Musée Guimet à partir du 13 juillet au 7 octobre 2013:

Les samedis et dimanches à 14h (durée 1h)

Plein tarif : 4.20 euros ; tarif réduit : 3.20 euros

Véronique Grange-Spahis et Thierry Tessier devant un Graphogène de Claude Mollard exposé dans l'espace de la Visionairs Gallery à Paris jusque le 3 septembre 2012. Photo d'Alain ROBERT

L’exposition de Claude Mollard est présentée jusqu’au 3 septembre dans l’espace de la Visionairs Gallery. Le titre de cet événement culturel est « Des Origènes aux Graphogènes ». Claude Mollard présente un travail particulièrement esthétique qui est basé sur la version photographique de la figure stylistique littéraire qu’est la métonymie : la partie pour le tout. Claude Mollard présente une première partie d’œuvre dont l’origine est naturelle, ce sont des clichés de la nature. Nous sommes loin d’une still life, mais bien en présence d’une recherche de sens, d’illustration à travers les détails de la nature. Un morceau de roche devient visage, une souche d’arbre à la forme d’un corps humain…C’est un travail poétique qui fait écho à bien des sentiments, que ce soit un sentiment écologique, esthétique voir même théologique et naturaliste avec la sacra stella qui jusqu’à Darwin affirmée que la nature était organisée selon une hiérarchie où l’homme était l’aboutissement et la Pierre la base, les plantes et autres animaux n’étant que des intermédiaires entre le minéral et la conscience. Par son travail sur les Origènes, où la pierre, le bois, la terre évoquent ce qu’ils ne sont pas, mais ce qu’ils sont en devenir, nous pouvons y lire une tension philosophique voir théologique. Gaïa est en tout et partout. Est-ce aussi une évocation du chamanisme ? Des Manes de l’empire romains ? Des kamis du Shintoïsme Japonais ? ou de l’omnipotence et omniprésence d’un Dieu unique ? C’est un peu tout ça à la fois. Chacun revoit les origènes selon son passé culturel et son développement mystico-philosophique. Sont aussi mêlés dans l’exposition les Graphogènes qui sont des agrandissements des œuvres de street art, des graffiti. Là encore Claude Mollard nous montre le doux jeu du hasard. L’artiste de la rue par ses mouvements rapides a réalisé des œuvres de grandes dimensions, mais son geste a aussi à petite échelle fait apparaitre des visages, des formes reconnaissables. Est-ce réellement le hasard ? Doit-on rapprocher ces gestes intuitifs à de l’inné ? Ou plutôt à une culturelle universelle enseignée depuis l’enfance par l’enseignement ou les média ? Où serait-ce même le signe d’une pensée supérieure ?  Un monde parallèle qui parle à travers nos gestes inconscients ? Ces questions sont vastes, nombreuses et du domaine réservé de chacun d’entre nous.

L’occasion pour nous de poser 3 questions aux organisateurs de l’exposition.

Véronique Grange-Spahis, vous êtes le commissaire d’exposition de cet événement, pouvez-vous nous exprimer votre ressenti sur les Origènes et les Graphogènes ? Les interprétez-vous, où est-ce que vous préférez vous focaliser sur l’aspect esthétique ?

Si Claude Mollard a réalisé beaucoup de photos de nature et d’objets, ce sont les visages qui s’imposent rapidement, des figures humaines qu’il découvre dans la nature.

Il traque ainsi les «Origènes», visages-esprits captés dans la nature et dans les sites patrimoniaux, depuis 1999 (alors qu’il pratique la photographie depuis les années 1970, date de sa première exposition).

Léonard de Vinci invitait les jeunes peintres à imaginer des scènes ou des paysages par l’observation de vieux murs souillés de taches. À 5 ans déjà, Claude Mollard, comme la plupart des enfants, scrutait tout ce qui était devant ses  yeux, que ce soient les nuages ou les tapisseries sur le mur, y  discernant moult paysages et êtres divers.

Il y a donc déjà une interprétation personnelle qui n’empêche pas de la prolonger certes, mais c’est le côté « esthétique » que je retiens avec tout le parcours qui a permis à l’œil du photographe de nous offrir sa propre vision.

La force de Claude Mollard c’est de nous donner à voir ce que nous occultons ou ne savons pas ou plus voir.

Ses photos me font rêver et partir vers d’autres contrées, dans un pays imaginaire. A chaque regard, je découvre d’autres éléments, une autre histoire.

Pourriez-vous nous expliquer votre rencontre avec Claude Mollard et votre désir de travailler avec lui ?

Je parlerai de plusieurs rencontres – comme dans le Petit Prince lorsque celui-ci rencontre le renard.

Claude Mollard

est un homme riche de plusieurs vies. Ce sont ses actions culturelles, ses réformes et ses écrits que j’ai d’abord rencontrés sur les bancs de la fac, puis dans son implication auprès de l’art et des artistes. Je l’admirai de loin, le saluant, sans oser vraiment l’aborder. Nous avons commencé à échanger vraiment au Luxembourg, à l’exposition d’un même ami sculpteur, loin de Paris.

C’est ainsi qu’après l’intellectuel, j’ai découvert l’artiste, le photographe.

Au printemps 2008, je présente Claude au galeriste Mehdi Ben Cheikh, qui exposera ses Origènes de Pompéi à l’automne de la même année. Ce dernier, passionné de street art, l’amène dans un vieux parking dont les murs sont recouverts de graffitis.

Fidèle à sa quête, l’œil de Claude Mollard y découvre un, puis deux, puis plusieurs Origènes…

Ainsi de trois taches blanches, trois virgules, un visage apparaît, semblable aux traces laissées par nos ancêtres sur les parois des cavernes.

Claude Mollard

est un passionné, éternel chercheur qui s’émerveille de tout ce qui l’entoure et nous fait partager sa quête. Le désir de travailler avec lui m’était une certitude.

Lydie Geoffroy, en tant que galeriste de cet espace, pouvez-vous nous expliquer cotre ligne éditoriale ? Ainsi que vos projets ?

Nos expositions sont plutôt concentrées sur la photographie et les événements culturels. Nous sommes dans une perspective de présenter des artistes engagés qui peuvent aussi bien critique la société, le consumérisme que la religion. Notre objectif est de créer un lieu d’éveil, d’échanges et de prise de conscience. Nos projets sont nombreux mais notre priorité actuellement est de développer notre collaboration avec la Chine où nous avons aussi un espace à Singapore et Hong Kong.

Florence Nief, est une artiste débordante d’énergie œuvrant autant dans la peinture que dans d’autres média tels la céramique, le collage et les installations. Elle présente sa nouvelle exposition intitulée « Regards » dans la Galerie Haute, espace privatisé du Palais de Tokyo.

Nous avons eu le plaisir de croiser Florence Nief au cours de sa participation à FREE GO ARTS 2011 ainsi que dans l’exposition « La couleur dans l’art contemporain » à Boulogne-Billancourt en mars dernier. Son énergie et sa passion de l’art sont une réelle bouffée de joie. Le recul qu’elle nous offre sur notre société est empli d’une volonté de changer les choses, de casser les barrières. C’est d’ailleurs le thème principal de cette impressionnante installation dans la Galerie Haute du Palais de Tokyo.  Florence Nief fait évoluer les Résilients, humains cassés, écorchés mais désespérément vivants, dans un univers décalé, créé à partir d’objets de récupérations et de matériaux I.F.S. détournés (peinture intumescente, panneaux isolants, mousse polyuréthane).  L’univers de l’artiste bouscule nos codes, dérange notre conscience formatée, ébranle nos mœurs, dénonce les dictats imposés et se joue de notre consumérisme qui frôle l’hédonisme. Les Résilients nous incitent à réfléchir sur sens profond de notre vie et nous interpellent sur les décisions et actes que nous faisons chaque jour.

Curieux de mieux comprendre son travail, voici 3 questions auxquelles Florence a accepté de répondre :

Florence, votre travail s’articule sur le besoin de recul sur notre société, vous considérez-vous comme un artiste politisé ou comme un penseur de la société ?

« Je ne me considère pas comme une artiste politisée. Je suis avant tout une femme, une mère qui réfléchit sur le monde, qui s’inquiète de ce que l’on va laisser à nos enfants. Ma sensibilité aux problèmes dans le monde est à fleur de peau. J’éprouve de l’incompréhension au fait qu’aucune solution n’est été apportée face à la faim dans le monde, aux bouleversements climatiques, aux inégalités sociales. L’évolution de la société ne tient pas assez compte de l’homme ni de la terre. Je veux offrir un peu d’espérance à l’humanité. Je crois en l’Homme et à sa capacité à se réinventer ».

Les Résilients sont fabriqués avec des objets de récupération, au-delà de l’aspect purement écologique, quel est le message ? Existe-il une seconde lecture possible ?

« Je suis très sensible à la nature. Tout au long de ma vie, par mes voyages, j’ai été confrontée aux catastrophes naturelles, aux attentats, à la famine, aux épidémies. J’ai seulement du bon sens. Et j’aimerais réveiller celui du tout à chacun. Mon travail a en effet plusieurs lectures possibles. Autre que l’aspect écologique l’on peut deviner une évocation de la pensée unique, de la conscience formatée ».

Comment aimeriez-vous que les spectateurs qualifient votre travail ?

« C’est une vision personnelle du monde. Je les laisse libre de voir ce qu’ils veulent. Je serais rassurée si les spectateurs sont interpelés. Qu’ils aiment ou abhorrent, peu m’importe. Mon souhait est de leur ouvrir les yeux. Le but est de les questionner, de les forcer à s’interroger ».

Contact :

Elisabeth de La Presle

Mob +33 (0)6 80 61 06 23

elisabeth.delapresle@gmail.com

REGARDS exposition du 8 au 10 juin 2012

Galerie haute, espace privatisé du Palais de Tokyo

13, avenue du Président Wilson – 75116 Paris

www.palaisdetokyo.com

Partenaires de l'exposition:    

Vente aux enchères publique le dimanche 20 novembre 2011 à 18h30 au Studio Harcourt  

  10, rue Jean Goujon, Paris VIIIème

 Vernissage : vendredi 18 novembre de 18h30 à 21h30 

 Exposition publique et gratuite : samedi 19 et dimanche 20 novembre de 14h00 à 18h00

CATALOGUE COMPLET sur le site: FREEGOARTS.ORG

FREE GO ARTS est d'abord et avant tout le résultat d'un constat, celui au combien difficile de comprendre qu'en France et plus largement dans les pays occidentalisés, la pauvreté n'a de cesse de progresser. Nous assistons à une paupérisation grandissante de la société. La crise dans laquelle nous vivons et qui semble s'accélérer est une véritable épée de Damoclès sur de nombreux foyers. Tout le monde a peur et surveille avec attention l'économie mondiale, tout en étant impuissant. Les subventions européennes en faveur des ONG comme les banques alimentaires ont été sauvées in extremis pour les 2 prochaines années. Mais nous savons tous que la tendance générale est à la limitation des dépenses. Ce n'est qu'un recul pour mieux sauter. Les banques alimentaires sont des acteurs majeurs de la lutte contre la pauvreté. Sans elles, de nombreuses petites structures caritatives ne sauraient trouver l'alimentation. Sans être devin, nous savons tous que les gouvernements européens vont devoir prendre des décisions graves pour maintenir l'endettement des pays. Ce rabotage de toutes les dépenses tomberont aussi sur les subventions des ONG.

C'est avec cette grave problématique que la Banque Alimentaire a décidé d'offrir une visibilité suplémentaire à son action et d'essayer de récolter des fonds pour ses campagnes. Après 2 editions, FREE GO ARTS est devenue une vente aux enchères d'Art contemporain remarquable, regroupant plus de 70 artistes de renoms parmi les plus côtés de la place Parisienne. Les artistes sollicités, le sont sans aucun retour pécunier, le don est total et il en est d'autant plus fort. Pour l'édition 2011, voici certains des artistes qui participent: Jef AEROSOF, BEN, Mathieu MERCIER, Robert COMBAS, Jacques MONORY, Jean-Charles CASTELBAJAC, Gérard FROMANGER, Philippe PASQUA, CharlElie COUTURE, Florence Nieff BENHAMOU.

Lot N°11 par Mathieu MERCIER

Sans Titre, 2003

Casquette en tissu et marteau - Edition ADIAF

Prix Marcel Duchamp en 2003 pour cette oeuvre

À travers ses sculptures et ses installations, il tourne en dérision nos habitudes domestiques et les caractéristiques de la consommation de masse.

75 exemplaires #58

25,5 x 26 x 32 cm

450 € - 550 €

L'Art a accessible à tous, chacun a une sensibilité artistique qui sera touchée par l'une des oeuvres. L'Art est universelle, tout comme la nourriture. La démarche de la banque alimentaire est tout à fait remarquable car elle n'est pas misérabiliste ni démagogique. C'est une action construite, avec un objectif simple et un échange où une réelle valeur ajoutée est produite. Car les acheteurs profiterons de la gratuité des commissions. En effet le commissaire-priseur, Pierre Cornette de St Cyr offre gracieusement ses services. C'est une réduction de près de 20%. Un adjudicateur averti peut ainsi acheter un artiste Français connu et côté avec une réduction confortable par rapport au marché de l'art classique.

Lot N°19 par Alain DECLERCQ

Mange ta main, 2011

Graphite sur papier

Reprise de cette vieille maxime: "si tu as faim mange ta main et garde l'autre pour demain". Critique de la situation sociale actuelle où chacun se bat pour continuer

21 x 30 cm

350 € - 450 €

L'exposition et la vente aux enchères se tiennent au studio Harcourt, temple parisien de la photographie.  Ce choix judicieux permet premièrement d'offrir à chacun de visiter ces salons si agréables de la culture française, et secondement propose d'exposer les 83 oeuvres d'artistes dans des conditions optimales.

Lot N°27 par Mr Brain wash

Juxtapose, 2011

Sérigraphie signée et numérotée

Critique avec humour et talent des stérétypes du XXème siècle

96.5 x 127 cm

1.800 € - 2.200 €

Quelques chiffres à titre indicatif:

• Personnes sollicitées pour la vente: 3 organisateurs, 7 stagaires de l'IESA, quinzaine de personnes de la BAPIF
• Le prix le plus bas pour oeuvre commencera à: 150€
• Le prix moyen des oeuvres est:1.219€
• Nombre de sponsors: 11

Lot N°33 par Mr Brainwash

! notre monde?, 2011

Acrylique, matériaux de récupération

120 x 40 cm

450 € - 550 €

 Lot N°73 & 74 par le collectif FAIM D'ART ( Marie-Paule Charles, Eugénie Levet et Cassandre Lavoix)

Le gâteau de François truffaut & le Boeuf- carotte de Claude Sautet, 2011

Tirage d'art

Avec humour et poésie le collectif faim d'art travaille sur le mix entre cuisine d'enfance et le cinéma

40 x 30 cm

200 € - 250 € chaque lot

CATALOGUE COMPLET sur le site: FREEGOARTS.ORG